Zone Critique propose un tour d’horizon de la programmation de danse du festival In, avec un retour sur deux spectacles phares de cette saison : En Atendant, de Anne Teresa De Keersmaeker, et The Romeo, de Trajal Harrell

En Atendant – Anne Teresa De Keersmaeker

On finit par se sentir de trop, et à trouver le contraste trop fort entre cette nature généreuse qui crève le sol et les murs, et cet élan artistique presque froid et peu généreux.

Anne Teresa De Keersmaeker revient 13 ans plus tard dans le cloître des Célestins où elle avait créé pour la première fois En Atendant au festival d’Avignon de 2010. En parallèle à cela elle proposait jusqu’au 13 juillet sa dernière création Exit Above – after the tempest à la FabricA.
En Atendant est donc une pièce du répertoire de la compagnie Rosas qui se danse à la tombée de la nuit et est construite en dyptique avec Cesena pensé pour la cour du Palais de Papes en 2011, qui à contrario se danse juste avant le levé du soleil.

La pièce est une ode à la nature et au calme. Le superbe cloître des Célestins est merveilleusement mis en valeur – les 8 danseurs et 3 musiciens progressent sur une scène privée de lumière artificielle, sur la terre nue, entre deux immenses platanes centenaires. L’idée de permettre pleinement aux spectateurs de goûter à la poésie du lieu est touchante. Dès le départ, on comprend qu’En Atendant  sera dans un autre espace temps ; 3 musicien.ne.s (Thomas Baeté, Bart Coen et Lieselot De Wilde)  accompagnent les pas dansés en jouant de la vièle, de la flûte à bec, et en chantant les airs de l’Ars Subtilior, un style du XIVème siècle. Ce mouvement musical nait pendant la peste noire. La chorégraphe s’est grandement documenté sur cette époque qu’elle a souhaitée mettre en danse, comme un avant goût d’apocalypse pour finalement laisser place au noir complet.

Sur le papier, tout est pensé avec finesse et semble prometteur. Au départ, arrive sur scène un joueur de flûte traversière qui pendant un quart d’heure va s’essayer à une gamme de notes : mélange de souffle, de sons dyphoniques, comme un sas vers la pièce pour nous ralentir et nous amener au tempo rythme médival de ce qui va se passer. Mais on n’embarque pas, même si on regarde avec une admiration ce morceau de mémoire chorégraphique. On retrouve l’écriture singulière de la chorégraphe : des corps droits, des lignes précises et géométriques, des traversées nettes qui font pleinement écho à la rigueur de la musique qui joue parfois. Les danseur.euse.s, dont 6 sur 8, avaient interprété la création de 2010 sont belles.eaux dans leur diversité, leur corps tonique un peu touché par l’âge, il.elle.s sont elles.eux aussi comme la mémoire de l’œuvre. Tout autour semble construit pour qu’on soit admiratif.ve ou tout du moins respectueux.se de ce morceau d’histoire. Mais peut-être tout cela fini par être trop cérébral, et on reste à côté. La qualité des chorégraphies de groupe, qui s’enchevêtrent et s’articulent comme un mécanisme bien huilé est belle, mais ce sont de fugaces moments de réel entrain pour ce qui se passe au plateau. Les autres passages sont des duos, des solos, qui s’articulent autour de la simple marche, de silence, et de peu de musique. C’est calme. Tant et si bien que des pigeons finissent par se poser sur scène, les perruches des arbres s’expriment avec force, les cigales finissent, lorsque la température le permet, par se taire. Pourquoi n’entre-t-on pas dans ce moment qui fait revivre un morceau d’histoire chorégraphique ?

La danse, bien que mythique, n’évolue pas alors que la nuit qui s’épaissit nous force à plisser des yeux. Avec une contrainte aussi forte que la disparition des corps, on aimerait sentir que la chorégraphie en joue, s’amuse plus à nous troubler. Finalement, alors que tout ce qui entoure le spectateur le force à se plier à ce lieu, à ce peu de lumière, à ce peu, la chorégraphie, elle, reste imperturbable et comme perméable à ce moment. On finit par se sentir de trop, et à trouver le contraste trop fort entre cette nature généreuse qui crève le sol et les murs, et cet élan artistique presque froid et peu généreux. On en ressort avec le sentiment étrange, coupable, de ne pas avoir aimé ce qu’on nous avait présenté comme un chef d’œuvre, ayant apparemment mérité d’être programmé deux fois au Festival d’Avignon. Mais on finit par ne pas trop en tenir rigueur, après tout l’art est subjectif.

The Romeo – Trajal Harrell

The Roméo est une main gantée tendue dans une programmation qui nous pousse à nous interroger, nous prouve que l’art peut être médiateur et bouleverse un peu notre répertoire.

The Roméo investit l’immense cour du Palais des Papes, avec ses 14 danseur.euse.s et la chorégraphie visuelle et “fierce” du chorégraphe américain Trajal Harrell. Lorsqu’on s’installe dans les gradins sur The Wall de Pink Floyd, on est accueilli.e.s par les interprètes souriant.e.s au plateau, qui discutent, nous font des signes, nous font nous sentir les bienvenu.e.s. Puis, tour à tour, il.elle.s viennent se présenter et donner un petit bout de leur personnalité au micro, avant de disparaître derrière les arches de la cour. Commence alors le défilé sur fond d’un enchaînement de musique proche dans leur mélancolie : gynopédiens de Satie, ou l’opéra La Wally de Catalani utilisé dans la B. O. de Diva de Jean-Jacques Beineix. Les artistes font comme un hold up de la scène avec leurs traversées du plateau à coup de grandes enjambées de mannequins, toujours sur la demi-pointe. Il.elle.s sont ici chez elles.eux et investissent le plateau comme des êtres fantomatiques, où la scnéographie de Trajal Harrell nous amène à Marrakech dans l’esprit d’un Yves Saint Laurent en pleine inspiration.

Le mouvement ramené comme un ostinato tout du long de la pièce est présenté dans un petit fascicule distribué à l’entrée comme “The Roméo”. Ce geste serait l’idéal d’une communion, quelque chose que tout le monde pourrait s’emparer de la même façon que tout le monde connaît la si fameuse tragédie de Shakespeare. Ce geste est un hommage au voguing (un style de danse développé à la fin des années 1980 sur la scène des ballrooms de Harlem) qui rencontrerait l’infini lenteur et précision de la danse Butoh (née au Japon à la fin des années 1950 et au début des années 1960.) La composition chorégraphique est ainsi épurée, ramenée à l’ondulation de tous ces corps si différents, si inhabituellement présents sur la cour du Palais des Papes, comme le miroitement d’un fond marin où s’agitent inlassablement des sirènes.

La représentation de cette communauté sur une si grande scène institutionnelle est émouvante. Lors d’un interview, le chorégraphe lui-même témoignait de sa surprise face à une telle invitation : “Je rêvais depuis quelques années des cloîtres des Célestins ou des Carmes, ou même de La FabricA, mais le lieu mythique du Festival était une espérance beaucoup plus lointaine, un peu intangible. La proposition d’y créer une pièce a donc été une immense surprise.” La force de l’œuvre est intimement liée au politique que ces artistes portent en elle.eux, en étant bien souvent des marginaux. Le voguing nait sous terre, en catimini, sur une scène underground pour finalement pouvoir s’exprimer ici, à l’air libre, sur la scène monument de Jean Vilar.

La programmation de cette 77ème édition pensée par Tiago Rodrigues et les programmatrices Magda Bizarro, Géraldine Chaillou et Canelle Breymayer nous fait ressentir assez puissamment que le théâtre, la danse, la scène, sont politiques. Cet étendard de fierté que porte la danse de Trajal Harrell fait écho a certaines scènes d’Antigone in the Amazon de Milo Rau où l’acteur Frederico Araujo nous rappelle que dans de – trop – nombreuses nations, appartenir à la communauté LGBTQIA+ est un crime. Alors on ne peut être qu’ému.e.s de voir des daneur.euse.s de la ballroom scene être reçu comme les invité.e.s les plus préstigieux.euse.s de cette édition.

Le respect est mutuel et la beauté de l’instant, où les notes de Satie résonnent dans l’immensité du lieu, nous touche. The Romeo est une main gantée tendue dans une programmation qui nous pousse à nous interroger, nous prouve que l’art peut être médiateur et bouleverse un peu notre répertoire.

• En Atendant  d’Anne Teresa De Keersmaeker avec Boštjan Antončič, Sophia Dinkel, Carlos Garbin, Marie Goudot, Cynthia Loemij, Mark Lorimer, Sandy Williams, Sue-Yeon Youn , Michael Schmid, Thomas Baeté (vièle), Bart Coen (flûtes à bec), Lieselot De Wilde ou Annelies Van Gramberen du  14- 25 JUILLET  Relâches les 16 et 20 juillet au cloître des Célestins
• The Roméo  de Trajal Harrell avec Frances Chiaverini, Vânia Doutel Vaz, Maria Ferreira Silva, Rob Fordeyn, Challenge Gumbodete, Trajal Harrell, New Kyd, Thibault Lac, Christopher Matthews, Nasheeka Nedsreal, Perle Palombe, Norel Amestoy Penck, Stephen Thompson, Songhay Toldon  du  18- 23 JUILLET Relâches le 21 juillet à la Cour du Palais des Papes

Crédit photo : (c) Christophe Reynaud De Lage